Das Ungelüftete Geheimnis, Warum Mädchen Nacktfotos Verschicken

Das Ungelüftete Geheimnis, Warum Mädchen Nacktfotos Verschicken

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Seit dem Paläolithikum manifestierte sich das weibliche Körpersystem in der Gestalt der Phantastischen Eltern oder der Venus, wie wir sie kennen. Die Frau, die das Objekt der Verehrung ist, diejenige, die Früchte der Nachkommenschaft trägt, schien nicht wirklich einfach nur ein gutes besonderes Ereignis des Charmes zu sein, sondern eine gute Schicht von extra verborgener und tiefer Bedeutung ebenso. Sie schien einen großen Geist und einen sexy menschlichen Körper zu haben und hatte kaum Arme und Beine, ihre Erektionsorgane waren dargestellt und wurden auch schamlos verehrt.

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Viele solcher Beispiele sind über die ganze Welt verstreut, von den europäischen über die chinesischen bis zu den indischen Reichen. Es wird als Ergebnis in der unverwechselbaren Unpässlichkeit der Darstellung sowohl die Höhe der Idealisierung und die Tiefe der unkontrollierbaren und verborgenen sinnlichen erzeugt gefunden werden. Der weibliche Körper, der seit der Antike den Archetyp der Schönheit, der Harmonie und der übernatürlichen Fähigkeiten repräsentiert, ist für die Betrachter das Objekt der erotischen Begierde gewesen. Unter den sichtbaren Stilen, die den jüngsten Hintergrund der Kunst ausfüllen, ist der weibliche Akt eines der leidenschaftlichsten und gleichzeitig umstrittensten Themen, die in Angriff genommen wurden.

Venus von Urbino von Tizian (1536-38)

Niemand, der jemals die Venus von Urbino gesehen hat, hat nicht einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Seine hinreißende Venus ist eine Liebhaberin, die ihre Schönheit ausspielt, und der Empfänger ihres optischen Voyeurismus ist jeder, der dieses Gemälde in der Uffizien-Galerie in Florenz, Italien, BILDER DÜNNE BRÜNETTE MIT GROßEN BRÜSTEN zufällig betrachtet. Und niemand hat handgefertigte unbekleidete Frauen so kontrovers dargestellt wie Tizian in seinen Situationen.

Mark Twain nannte Tizians Venus einmal "das übelste, das schändlichste, das obszönste Bild, das die ganze Welt besitzt". Mit ihrer unverhohlenen Nacktheit und dem strengen Blick in die Augen des Betrachters ist der weibliche Akt in diesem Kunstwerk von 1538 unbestreitbar erotisch.

Tizian schafft mit seinem profunden künstlerischen Können die verschwenderische Präsenz dieses Aktes: die Verzückung ihrer fleischlichen Herrlichkeit. "Das Argument für den Didaktizismus des Gemäldes wurde von der verstorbenen Kunsthistorikerin Rona Goffen in ihrem 1997 erschienenen Buch "Sex, Space, and Social History in Titian's Venus of Urbino" angeführt. Ihre Schönheit wird durch den modernen, unverschämten Ansatz verstärkt, dass sie selbstbewusst und in sich selbst verliebt posiert. Für mich gibt es nichts Bewegenderes in Kunst und Komposition als die Venus von Urbino.

Tizian kontrastiert die geraden Linien der Architektur mit den Kurven der weiblichen Form, und der Paravent hinter der Venus halbiert das Gemälde, eine großflächige Trennung, die durch vereinheitlichende Elemente wie die Verwendung von Farbe und die floralen Muster der Couch, der Cassoni und der Wandteppiche im Hintergrund gemildert wird."

Sandro Botticelli - Geburt der Venus (1484)

Ein weiteres meiner Lieblingsgemälde mit weiblichen Akten ist Sandro Botticellis Geburt der Venus (1484).

Die Venus von Botticelli, die zu Beginn der Renaissance geschaffen wurde, ist eine strahlende Schönheit mit einem Gefühl der Ruhe, das einer Göttin angemessen ist. Ihre Figur und ihre Sammlungen sind in der Regel eine gemeinsame Zusammenarbeit von realistischem Aussehen mit einer Regel der Zusammenfassung machen, getreu Botticelli's Oeuvre. Er widmete ihrem Haar und ihrer Frisur viel Aufmerksamkeit, was sein Interesse daran widerspiegelte, dass die Frauen dieser besten Zeit sehr lange Haare und Frisuren hatten. Obwohl er in diesem Werk keine perspektivischen Neuerungen der Renaissance anwandte, war die Eleganz des klassischen Sujets etwas, das die wohlhabenden Florentiner, die diese Art von Werken förderten, fasziniert hätte.

Wie alle anderen hat auch seine Venus ein idealisiertes Gesicht, das frei von Makeln und schön schattiert ist, um von der helleren zur schattigeren Seite zu unterscheiden. Dies erleichterte es, ihre körperlichen Formen vor dem Hintergrund zu sehen, und es unterstrich auch die Farbe ihrer milchigen Haut, durch die Venus fast so aussieht, als sei ihr Fleisch aus Marmor, was den skulpturalen Charakter ihres Körpers unterstreicht. Die Interpretation von unzüchtigen Frauen aller Epochen war im Mittelalter nicht unbedingt allgemein abgeschlossen, mit einigen wenigen Ausnahmen unter bestimmten Umständen. Beim Malen der Venus malte Botticelli eine dunkle Linie um die Konturen ihres Körpers.

Offensichtlich muss Botticelli für die Modellierung dieser Figur auf eine Aphrodite-Statue zurückgegriffen haben, wie z. B. die Aphrodite von Cnidos, in der die Göttin versucht, sich in einer Bewegung bescheiden zu übergehen. Die Nachfrage nach dieser Art von Szene war natürlich der Humanismus, der am Hof von Lorenzo d'Medici in den 1480er Jahren sehr lebendig zu sein schien. Hier war der Humanismus der Renaissance nicht nur offen für die Verwendung einer heidnischen Skulptur als Modell, sondern auch für eine heidnische Geschichte als Thema.

"In diesem himmlischen Gemälde bereitet sich eine Frau darauf vor, mit einem Gott Liebe zu machen. Dennoch hat diese Phase etwas überwältigend Religiöses. Jupiter kommt zu Danae in Form eines Goldregens - ein Scherz mit Pfiff. Das Motiv könnte vor kurzem eine Kurtisane und der Geliebte des Auftraggebers dieses Kunstwerks gewesen sein, so dass in ihrem Liebesleben Geld den Besitzer wechselte. Tizian erhebt hier den Geschlechtsverkehr zu einem religiösen Glauben".

Rembrandt - Danae - 1639

Dieses großformatige Gemälde von Rembrandt wurde angegriffen und restauriert, was an seiner kapselnden Natur deutlich zu erkennen ist. Ihre Kurven sind gut sichtbar und ihr Körper, der einer schwangeren Frau, wird sanft von den Kissen gestützt, auf denen sie ihren Arm ruht. Die nackte Figur der Danae wird vom goldenen Licht wunderschön beleuchtet, möglicherweise ruft sie Zeus an, der sie geschwängert hat, oder sie winkt ihm zu, zurückzubleiben. Das ganze Feld ist auf jeden Fall ziemlich kompliziert ausgearbeitet, die Perlen an ihren Händen, ein schlafender bronzener Amor auf ihrem Bett, die Falten ihres Bettzeugs und der goldene Schuh verleiten uns dazu, uns weiter vorzustellen, was passieren könnte, oder darüber zu grübeln, was in ihrem Schlafzimmer bereits passiert ist. Rembrandt war ein Meister seiner Kunst, und seine Werke haben bis heute einen hohen Wert, der den Betrachter in seinen Bann zieht.

Einer der faszinierendsten Aspekte dieses Werks, abgesehen von dem üppigen Akt selbst, ist die begrenzte Farbpalette, die Rembrandt verwendet hat. Er ist bekannt für sein Hell-Dunkel-Spiel, das durch die Verwendung begrenzter Farben und deren Vermischung erreicht wird, was dem Bild eine weitere Dimension verleiht.

Die Toilette der Venus von Diego Velázquez

Die Rokeby-Venus, die vor allem als die Toilette der Venus von Diego Velázquez gilt, wurde Anfang des 20. Jahrhunderts von einer Suffragette angegriffen, die sie mehrfach zerschlug. Doch ein zweiter Blick auf Velázquez' subtiles Gemälde offenbart, dass es seine eigene Kritik des Sehens enthält.

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Wenn wir unsere Augen auf das rosafarbene Fleisch legen, das sich gegen den dunklen Kontrast ihrer grauen Bettdecke abhebt, können wir nicht umhin, die Halbmondform der Figur zu bemerken, die inmitten reicher Silber- und Rottöne liegt. Die Venus wird in einen Spiegel schauen, den Betrachter direkt anblicken, aber ihr Blick ist definitiv verwirrt, was uns mit einer Art verschmitzter Würde zurücklässt, wenn wir eine Frau im Privaten anstarren.

"Woran denkt sie? lässt Velázquez uns fragen. Dabei malt er einen Akt, der nicht nur schön, sondern auch tiefgründig ist." Auch bei der Darstellung des Amors spielt Velázquez mit dem Betrachter, indem er ihn mit falschen Flügeln zeigt und damit auf subtile Weise andeutet, dass weder der Amor ein echter Amor noch die Venus eine echte Venus ist und sehr wohl eine andere Frau sein könnte. Er baut eine ängstliche Spannung zwischen Körper und Geist auf, zwischen dwill beplayem Fleisch und chemischer heimlicher Seele.

William Adolphe Bouguereau - Die Entführung der Psyche - 1895

"Dies ist eines der romantischeren Werke von Bouguereau. Die subtile Verwendung von Farben ist wirklich erstaunlich. Seine Arme, die sich um ihren halb bekleideten Körper schlingen, und ihr Kopf, der auf seinen Schultern ruht, während sie sich ihrem Geliebten völlig hingibt, stellen den Inbegriff von Romantik und ultimativer Unterwerfung dar. Die hellen und dunklen Violetttöne des Stoffes, der Amor und Psyche umgibt, heben sich wunderbar von den violett-grauen Wolken und Bergen ab." Die Struktur und die Winkel ihres bauschigen Tuchs zusammen mit der Wölbung von Amors Stola unterstützen die außermittigen Winkel ihrer Körper und verleihen ihren Bewegungen ein schönes Gleichgewicht und eine anmutige Kraft. Mit Psyche in den Armen ihres verliebten Amors steigen die beiden schließlich in den Himmel auf. Die Fabel von Amor und Psyche geht auf Apuleius zurück, der sie im 2.

In dem Mythos ist Psyche eine schöne Prinzessin, auf die die Göttin Venus eifersüchtig ist. Nach mehreren Versuchen wenden sich Amor und Geist an die Götter, die Psyche in eine Unsterbliche verwandeln und ihnen erlauben, im Himmel zu heiraten (British Library). Die Geschichte von Amor und Psyche diente Bouguereau als Vorlage für mehrere andere Gemälde, darunter Amor und Psyche als Kinder (1889), Psyche und Amor (1896) und Psyche". In ihrer Wut befiehlt sie ihrem Sohn Amor, ihr dabei zu helfen, dass sich Psyche in ein Ungeheuer verliebt, doch Amor verliebt sich selbst in sie.

Edgar Degas (1834-1917) Nackte Frau, die sich den Nacken trocknet, um 1884

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Auf den ersten Blick sieht es wie eine schäbige, unvollendete Zeichnung aus, doch bei näherer Betrachtung kommt die Pracht des detaillierten Rückens mit voller Wucht zum Vorschein. Er weist wunderschöne braune Schattierungen auf, die wahrscheinlich durch die Verwendung von gebranntem Umbra und gebranntem Siena im Kontrast zu den helleren Tönen der goldenen Glanzlichter ihres durchsichtigen Fleisches erzielt wurden, und es scheint, dass er sich mit der Fertigstellung der Zeichnung beeilt, als ob das Modell sich bewegen und ihn auf frischer Tat ertappen wollte, während er sie heimlich zeichnete.

"Aktfiguren stehen im Mittelpunkt des Werks von Edgar Degas (1834-1917), von seinen frühen Werken in der ersten Hälfte der 1850er Jahre bis zu den letzten Jahren seiner künstlerischen Tätigkeit am Vorabend des Ersten Weltkriegs. Die Aneinanderreihung unzähliger Pastellstriche erweckt das Fleisch zum Leben. Im künstlichen Licht des Ankleidezimmers betrachtet, faszinierte die tatsächliche Masse die Verfechter der naturalistischen Ästhetik. Er setzte nicht nur eine idealisierte Nacktheit in Szene, sondern auch eine bis dahin unbekannte Darstellung des unbekleideten Ganzkörpers. Degas zeichnete sich durch sein innovatives Temperament aus, das sich in vielen verschiedenen Bereichen äußerte.

Huysmans bewundert "die höchste Schönheit des vom Wasser blau oder rosa gefärbten Fleisches, [...] echtes, lebendiges, unbekleidetes Fleisch", während Geffroy die Kühnheit der "froschartigen Haltung" der Badenden lobt. Degas kehrt immer wieder zu seinen geliebten Körperhaltungen zurück, wobei er immer wieder mit ganz neuen Taktiken spielt. Die anatomische Genauigkeit wird für ihn weniger wichtig als der Ausdruck von Emotionen und Gefühlen, die in seinem Werk über den weiblichen Körper immer greifbarer werden. Parallel zum Durchbruch der Chronophotographie, die alle Bewegungsphasen festhalten kann, setzt Degas seine Forschungen zur Übertragung der Gesten seiner badenden Frauen fort. Er interessierte sich mehr und mehr dafür, seine Modelle von hinten darzustellen, als ob er sich mehr auf die Morphologie des Modells als auf ihre Persönlichkeit konzentrieren würde.

Raja Ravi Verma (1848 -1906) - Mädchen aus Kerala nach dem Bad

Raja Ravi Verma war ein bekannter indischer Künstler für seine realistischen Gemälde und wurde vom König von Travancore sehr geschätzt. Aktdarstellungen kamen erst sehr spät in seiner künstlerischen Laufbahn auf, da es sich um ein tabuisiertes Thema handelte, das ihm Selbstmord vor Gericht und den Tod seiner geliebten Frau einbrachte.

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In seinem "Kerala Girl After the Bath" sehen wir einen idealistischen weiblichen Halbakt, der mit verführerischen Augen dasteht und bei dem die Brustwarze herausschaut. Der Hintergrund ist schlicht und einfach, so dass der Fokus auf der Dame selbst liegt. Ihre verschränkten Hände und ihr leichtes Lächeln lassen uns an ihren Absichten zweifeln, was sie wirklich will. "Während der Großteil von Ravi Varmas Werk aus Porträts bestand, ruhte sein Ruhm auf seinen Pauranik (mythologischen) Gemälden, die Szenen aus dem Ramayana und Mahabharata in dem europäisch inspirierten Naturalismus dramatisierten, der zu dieser Zeit im späten 19. Jahrhundert in Mode war. Ravi Vermas Meisterschaft zeigt sich nicht nur im Gesicht der Dame, sondern auch in den Falten ihres cremeweißen Sarees, der die Konturen ihres anatomisch akkuraten Körpers vorzüglich umspielt.

In einer öffentlichen visuellen Arena, die von viktorianischen kommerziellen und akademischen Bildern dominiert wurde, war die bloße Präsenz von pauranischem (mythologischem) Material eine kraftvolle Erinnerung an den Ruhm und die Legenden eines gemeinsamen indischen Erbes. Ihre Rolle bei der Veranschaulichung einer nationalen Vergangenheit, als die Konturen einer solchen Nation noch undeutlich waren, kann nicht unterschätzt werden." Er war der erste Mann, der den indischen Göttern ein Gesicht gab: Vor ihm gab es in den Pad-Kathas nur Skulpturen und Miniaturen, denn die Götter, wie wir sie täglich sehen, wurden von ihm visualisiert, was ihn zum stärksten Einfluss auf die Kultur unserer Zivilisation macht.der erste Mann, der es den Unberührbaren ermöglichte, vor Götterbildern zu beten: Vor seiner Zeit durften sie keine Tempel betreten.

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Der erste Mann, dem die Herstellung des Sari, wie wir ihn heute kennen, zugeschrieben wird, und der einzige Mann, der ein eigenes Postamt hatte, um seine Post zu bearbeiten. Er war so beliebt, dass er kistenweise Fanpost erhielt, was die britische Regierung dazu veranlasste, ein spezielles Postamt zu eröffnen, um seine Post zu bearbeiten.

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Der Großvater des indischen Kinos: Wir alle wissen, dass Dadasaheb Phalke als der Vater des indischen Kinos gilt. Aber was wir vielleicht nicht wissen, ist, dass Dadasaheb Phalke seine Karriere normalerweise als Lehrling bei Raja Ravi Varma begann und dass seine Gemälde auch seine frühen indischen Filme beeinflussten".

Ich bin sicher, dass es viele großartige weibliche Aktbilder und Kunstwerke gibt, die sowohl anatomisch wunderbar als auch zauberhaft sind. Dies ist nur eine kleine Auswahl, und die Liste kann endlos fortgesetzt werden.

Bücher und Fachzeitschriften:

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1. Flaminio Gualdoni, "Weiblicher Akt", Skira Publikationen, Italien, ISBN 9788861305397
2. Sarah Simblet, "Anatomie des Künstlers" 28 Sep, London ISBN: 9780751334418
3. T. Michell, "W nothe Fumale Nude, A private View" London 1999.
4. K. Clark, "Nude Study: Eine ideale Form" Princeton, 1972.

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Dieser Beitrag hat 1 Kommentar

1.
Israel Silva sagt:
Januar 13, 2016 at 5:42 pm - Reply
Wie die weibliche Nacktheit unsere Phantasie entfesselt und uns auf jede erdenkliche Weise den Atem raubt, ist die Art und Weise, wie viele Künstler eine wahre Muse gefunden haben. Wie kann man erstaunliche Szenen darstellen, wie die, die Sie uns in diesem historischen Artikel vorgestellt haben? Vielen Dank für diesen erstaunlichen Artikel, ich habe eine Menge gelernt. Ich bewundere die Arbeit von Francisco de Goya wirklich sehr, und von all seinen Werken liebe ich "La maja desnuda". Wie ich erfahren habe, wusste niemand (wie bei anderen Gemälden), wer das Modell war, das Goya gebeten hatte, zu posieren.